Skip to content

ART BUSAN

May 13 - 15, 2022

GRAY is pleased to participate in the 2022 edition of Art Busan, with a presentation of works by artists from the gallery’s Modern and contemporary programs, including McArthur Binion, Jim Dine, Jean Dubuffet, Sam Francis, Theaster Gates, David Hockney, Hans Hofmann, Alex Katz, Pablo Picasso, Jaume Plensa, and Leon Polk Smith.

그레이 갤러리는 맥아서 비니언, 짐 다인, 쟝 뒤뷔페, 샘 프란시스, 티에스터 게이츠, 데이비드 호크니, 한스 호프만, 알렉스 카츠, 파블로 피카소, 하우메 플렌자, 레온 포크 스미스 등 현대 및 근현대 프로그램의 작가들 작품과 함께 2022년 아트부산에 참여하게 되어 기쁩니다. 

한국어      English

McArthur Binion (b. 1946)

McArthur Binion (b. 1946)
DNA:Study, 2022
Ink, oil paint stick and paper on board
79 3⁄4 × 60 × 2 1⁄8 inches
202.6 × 152.4 × 5.4 cm

Inquire
McArthur Binion (b. 1946)

McArthur Binion (b. 1946)
dna:paper, 2013
Oil paint stick and paper on paper
30 × 22 1⁄2 inches
76.2 × 57.2 cm

Inquire
Jim Dine (b. 1935)

Jim Dine (b. 1935)
Frozen Hands, 2013
Acrylic and sand on canvas
47 1⁄4 × 35 1⁄2 inches
120 × 90.2 cm

Inquire
Jim Dine (b. 1935)

Jim Dine (b. 1935)
Those Are Yellow Gloves, 2013
Oil enamel and stain on wood and steel stool
79 × 49 × 26 inches
200.7 × 124.5 × 66 cm

Inquire
Jean Dubuffet (1901–1985)

Jean Dubuffet (1901–1985)
Le Pain de la terre, 1953
Oil on canvas
28 3⁄4 × 36 1⁄4 inches
73 × 92.1 cm

Inquire
Sam Francis (1923–1994)

Sam Francis (1923–1994)
Untitled (Self Portrait), 1976
Acrylic on paper
32 1⁄4 × 22 7⁄8 inches
81.9 × 58.1 cm

Inquire
Theaster Gates (b. 1973)

Theaster Gates (b. 1973)
Highway with Mountain, 2019
Rubber, tar and wood
72 × 60 1⁄2 × 3 1⁄4 inches
182.9 × 153.7 × 8.3 cm

Inquire
Theaster Gates (b. 1973)

Theaster Gates (b. 1973)
Golden Orb with Ring, 2021
Clay and manganese-based glaze, custom-made plinth
Approximate overall dimensions: 27 1⁄2 × 28 1⁄4 × 22 inches
68.6 × 71.1 × 55.9 cm

Inquire
David Hockney (b. 1937)

David Hockney (b. 1937)
Glass, 2009
iPhone drawing printed on paper
37 × 25 1⁄2 inches
94 × 64.8 cm
Edition 24 of 25

Inquire
David Hockney (b. 1937)

David Hockney (b. 1937)
Double Portrait, 2011
iPad drawing printed on paper
37 × 28 inches
94 × 71.1 cm
Edition 24 of 25

Inquire
David Hockney (b. 1937)

David Hockney (b. 1937)
Pictures at an Exhibition, 2018
Photographic drawing printed on 8 sheets of paper,
mounted on 8 sheets of Dibond
8 feet 11 1⁄2 inches × 28 feet 8 inches
2.7 × 8.7 m
Edition of 12

Inquire
Hans Hofmann (1880–1966)

Hans Hofmann (1880–1966)
Untitled (Landscape), 1942
Oil on board
30 × 35 inches
76.2 × 88.9 cm

Inquire
Alex Katz (b. 1927)

Alex Katz (b. 1927)
Untitled, yellow-green, 2019
Oil on linen
72 × 60 inches
182.9 × 152.4 cm

Inquire
Alex Katz (b. 1927)

Alex Katz (b. 1927)
Black Brook #10, 1990
Oil on board
15 5⁄8 × 12 inches
39.7 × 30.5 cm

Inquire
Alex Katz (b. 1927)

Alex Katz (b. 1927)
Vivien in White Coat 1, 2020
Oil on linen
60 × 48 inches
152.4 × 121.9 cm

Inquire
Pablo Picasso (1881–1973)

Pablo Picasso (1881–1973)
Tête d'homme et nu assis, 1964
Oil on canvas
17 7⁄8 × 21 5⁄8 inches
45.7 × 55 cm

Inquire
Jaume Plensa (b. 1955)

Jaume Plensa (b. 1955)
Green Forest (Maria), 2019
Bronze
78 1⁄4 × 39 3⁄4 × 43 1⁄4 inches
199 × 101 × 110 cm
Edition of 5

Inquire
Jaume Plensa (b. 1955)

Jaume Plensa (b. 1955)
Invisibles VI, 2019
Pastel on handmade paper
57 1⁄2 × 36 1⁄2 inches
146.1 × 92.7 cm

Inquire
Jaume Plensa (b. 1955)

Jaume Plensa (b. 1955)
Australia, 2021
Painted steel
23 1⁄2 × 12 1⁄2 × 15 3⁄4 inches
60 × 32 × 40 cm
Edition 3 of 8

Inquire
Leon Polk Smith (1906–1996)

Leon Polk Smith (1906–1996)
Constel: Blue Red straight line thru three Ovals, 1969
Paint on canvas
67 × 39 inches (170.2 × 99.1 cm) each;
121 × 132 inches (307.3 × 353.3 cm) installed

Inquire
Leon Polk Smith (1906–1996)

Leon Polk Smith (1906–1996)
Untitled, 1973
Paint on paper
23 3⁄4 × 18 inches
60.3 × 45.7 cm

Inquire
Leon Polk Smith (1906–1996)

Leon Polk Smith (1906–1996)
Untitled, 1968
Paint on paper
21 3⁄4 × 15 inches
55.2 × 38.1 cm

Inquire
McArthur Binion (b. 1946)

McArthur Binion (b. 1946)
DNA:Study, 2022
Ink, oil paint stick and paper on board
79 3⁄4 × 60 × 2 1⁄8 inches
202.6 × 152.4 × 5.4 cm

McArthur Binion (b. 1946)

McArthur Binion (b. 1946)
dna:paper, 2013
Oil paint stick and paper on paper
30 × 22 1⁄2 inches
76.2 × 57.2 cm

Jim Dine (b. 1935)

Jim Dine (b. 1935)
Frozen Hands, 2013
Acrylic and sand on canvas
47 1⁄4 × 35 1⁄2 inches
120 × 90.2 cm

Jim Dine (b. 1935)

Jim Dine (b. 1935)
Those Are Yellow Gloves, 2013
Oil enamel and stain on wood and steel stool
79 × 49 × 26 inches
200.7 × 124.5 × 66 cm

Jean Dubuffet (1901–1985)

Jean Dubuffet (1901–1985)
Le Pain de la terre, 1953
Oil on canvas
28 3⁄4 × 36 1⁄4 inches
73 × 92.1 cm

Sam Francis (1923–1994)

Sam Francis (1923–1994)
Untitled (Self Portrait), 1976
Acrylic on paper
32 1⁄4 × 22 7⁄8 inches
81.9 × 58.1 cm

Theaster Gates (b. 1973)

Theaster Gates (b. 1973)
Highway with Mountain, 2019
Rubber, tar and wood
72 × 60 1⁄2 × 3 1⁄4 inches
182.9 × 153.7 × 8.3 cm

Theaster Gates (b. 1973)

Theaster Gates (b. 1973)
Golden Orb with Ring, 2021
Clay and manganese-based glaze, custom-made plinth
Approximate overall dimensions: 27 1⁄2 × 28 1⁄4 × 22 inches
68.6 × 71.1 × 55.9 cm

David Hockney (b. 1937)

David Hockney (b. 1937)
Glass, 2009
iPhone drawing printed on paper
37 × 25 1⁄2 inches
94 × 64.8 cm
Edition 24 of 25

David Hockney (b. 1937)

David Hockney (b. 1937)
Double Portrait, 2011
iPad drawing printed on paper
37 × 28 inches
94 × 71.1 cm
Edition 24 of 25

David Hockney (b. 1937)

David Hockney (b. 1937)
Pictures at an Exhibition, 2018
Photographic drawing printed on 8 sheets of paper,
mounted on 8 sheets of Dibond
8 feet 11 1⁄2 inches × 28 feet 8 inches
2.7 × 8.7 m
Edition of 12

Hans Hofmann (1880–1966)

Hans Hofmann (1880–1966)
Untitled (Landscape), 1942
Oil on board
30 × 35 inches
76.2 × 88.9 cm

Alex Katz (b. 1927)

Alex Katz (b. 1927)
Untitled, yellow-green, 2019
Oil on linen
72 × 60 inches
182.9 × 152.4 cm

Alex Katz (b. 1927)

Alex Katz (b. 1927)
Black Brook #10, 1990
Oil on board
15 5⁄8 × 12 inches
39.7 × 30.5 cm

Alex Katz (b. 1927)

Alex Katz (b. 1927)
Vivien in White Coat 1, 2020
Oil on linen
60 × 48 inches
152.4 × 121.9 cm

Pablo Picasso (1881–1973)

Pablo Picasso (1881–1973)
Tête d'homme et nu assis, 1964
Oil on canvas
17 7⁄8 × 21 5⁄8 inches
45.7 × 55 cm

Jaume Plensa (b. 1955)

Jaume Plensa (b. 1955)
Green Forest (Maria), 2019
Bronze
78 1⁄4 × 39 3⁄4 × 43 1⁄4 inches
199 × 101 × 110 cm
Edition of 5

Jaume Plensa (b. 1955)

Jaume Plensa (b. 1955)
Invisibles VI, 2019
Pastel on handmade paper
57 1⁄2 × 36 1⁄2 inches
146.1 × 92.7 cm

Jaume Plensa (b. 1955)

Jaume Plensa (b. 1955)
Australia, 2021
Painted steel
23 1⁄2 × 12 1⁄2 × 15 3⁄4 inches
60 × 32 × 40 cm
Edition 3 of 8

Leon Polk Smith (1906–1996)

Leon Polk Smith (1906–1996)
Constel: Blue Red straight line thru three Ovals, 1969
Paint on canvas
67 × 39 inches (170.2 × 99.1 cm) each;
121 × 132 inches (307.3 × 353.3 cm) installed

Leon Polk Smith (1906–1996)

Leon Polk Smith (1906–1996)
Untitled, 1973
Paint on paper
23 3⁄4 × 18 inches
60.3 × 45.7 cm

Leon Polk Smith (1906–1996)

Leon Polk Smith (1906–1996)
Untitled, 1968
Paint on paper
21 3⁄4 × 15 inches
55.2 × 38.1 cm

맥아서 비니언 (1946년생)
DNA: 습작, 2022
보드에 잉크, 오일스틱, 종이
79 ¾ × 60 × 2 ⅛ 인치
202.6 × 152.4 × 5.4 cm

맥아서 비니언 (1946년생)
DNA: 습작, 2022
보드에 잉크, 오일스틱, 종이
79 ¾ × 60 × 2 ⅛ 인치
202.6 × 152.4 × 5.4 cm

비니언

맥아서 비니언은 추상화를 매우 개인적인 방식으로 표현하기 위해서 미니멀리즘의 언어를 재구성 하는 미국 작가이다. 이 작품들은 그의 DNA 시리즈 중 일부이며 오일스틱으로 그려진 선들이 교차하여 작품 표면에서 격자 (grid)를 이루고 있다. 이처럼 반복되는 선들이 망을 형성하여 아래에 있는 개인의 일상적인 기록 (ephemera)들을 가리기도 하고 드러내기도 한다. 자신의 출생증명서와 여권 사본, 자신의 주소록에서 발췌한 것, 그리고 고향인 미시시피 주에서 찍은 사진 등을 작가 개인사의 자세한 내용을 퍼트리는 소재로 사용한다. 비니언의 작품세계는 추상화, 미니멀리즘, 단색화 등과 관계는 있지만 정해진 틀로 분류 되는것을 거부하며 그림 그리는 과정에 대한 개인적 헌신에 뿌리를 둔다. 그의 작품은 시간과 노동, 정체성을 나타내는 지표다. 

짐 다인 (1935년생)
저것은 노랑 장갑이다, 2013
목재와 강철 의자에 유성 에나멜, 스테인
79 × 49 × 26 인치
200.7 × 124.5 × 66 cm

짐 다인 (1935년생)
저것은 노랑 장갑이다, 2013
목재와 강철 의자에 유성 에나멜, 스테인
79 × 49 × 26 인치
200.7 × 124.5 × 66 cm

다인

짐 다인은 1950년대 후반에 뉴욕 미술계에서 주목을 받기 시작한 미국 작가이다. 

첫 “해프닝 (Happenings)”에 중요한 역할을 하였으며 그 후 팝 아트 운동과 밀접하게 관련이 있었다.

그는 오랜 활동기간 동안 항상 혁신가였고, 회화, 어셈블리지 (assemblages), 조소, 소묘, 판화 뿐만 아니라 열두권 이상의 시집을 출간하는 등 방대한 작품활동을 하였다. 그는 피노키오 등 상징적인 이미지를 사용하는 것으로 널리 알려졌다. 순수하고 상냥한 것들이 그의 손을 거치면서 복잡해지며, 때로는 위협적이거나 매우 개인적인 것들로 변하면서 시, 표현주의, 변신에 대한 작가의 관심을 구체화 한다. 다인은 2010년에 익숙한 형태를 벗겨내어 추상화를 기리는 작품을 만들면서 그림 그리는 과정에 다시 전념하였다.

쟝 뒤뷔페 (1901–1985)
땅의 양식 (Le pain de la terre), 1953 
캔버스에 유화
28 ¾ × 36 ¼ 인치
73 × 92.1 cm

쟝 뒤뷔페 (1901–1985)
땅의 양식 (Le pain de la terre), 1953 
캔버스에 유화
28 ¾ × 36 ¼ 인치
73 × 92.1 cm

 뒤뷔페


프랑스 작가 쟝 뒤뷔페는 "반문화적" 미학과 매우 혁신적인 방법으로 새로운 미술 매체를 개발한 것으로 유명하다. 1953년 4월에 완성되어 1958년에 재작업한 이 작품은, 뒤뷔페가 1953년 3월에서 12월 사이에 만든 "빠뜨 바뚜" (pâtes battues) 시리즈에 속한다. 1940년대 “오뜨 빠뜨” (Hautes Pâtes)라는 작품과, 페인트 등 물질의 다양한 점도의 효과를 실험하여 만든 1952년 풍경화를 제작한 이후로, 그는 "빠뜨 바뚜" 또는 "두드려진 반죽”이라는 기술을 개발했다. 기름과 색소 가루를 반죽으로 만들어 팔레트 나이프로 캔버스에 발랐는데 밑에 덜 마른 밝은 색상들이 스며들면서 드러나 보였다. 또 반죽과 같이 말랑한 표면 위에 그래피티 (graffiti)를 다시 새기고 나중에 다시 돌아와 큰 납작붓을 사용해 작품을 황금빛으로 칠하기도 했다. 작가에 의하면 이 마지막 단계는 사물에 풍부하고 생명감 있는 질감을 더하며 미묘하게 보이는 투명한 그림자 속에 빠져들게 하는 작업이라고 한다. 

샘 프란시스 (1923–1994)
무제 (자화상), 1976 
종이에 아크릴
32 ¼ × 22 ⅞ 인치
81.9 × 58.1 cm

샘 프란시스 (1923–1994)
무제 (자화상), 1976 
종이에 아크릴
32 ¼ × 22 ⅞ 인치
81.9 × 58.1 cm

프란시스

추상표현주의를 선도하였던 샘 프란시스는 자신만의 정교한 색과 빛의 해석으로 유명하다. 1970년대는 프란시스에게 특히 생산적인 시기였다. 평론가 리처드 스피어는 그 시기가 "작가에게 가장 획기적이며 혁신적인 10년”이라며 “근육의 팽창과 수축과 함께 색, 형태, 공간을 구성, 해체, 재구성하여 회화적 사상이나 개념적인 사상이 역동적으로 흐르는 시대”가 되었다고 주장했다. 이 다작의 시기에 프란시스는 융 (Jung)의 분석에 대한 개인경험에 영향을 받아 예술에서의 무의식을 탐구하는데 몰두하며 자화상 시리즈를 시작했다. 로스앤젤레스에서 그려진 현재 이 작품은 추상적인 자화상이다. 미술사학자 윌리엄 C. 에이지는 그 생생한 색감과 역동적인 물감의 사용이 작가의 융 유형 심리치료의 직접적인 결과라고 한다. 프란시스는 “색은 나에게 성스러운 것이다…색은 감정을 담는 그릇으로 볼수있다…"고 말하였다. 

티에스터 게이츠 (1973년생)
고속도로와 산, 2019
고무, 타르, 목재
72 × 60 ½ × 3 ¼ 인치
182.9 × 153.7 × 8.3 cm

티에스터 게이츠 (1973년생)
고속도로와 산, 2019
고무, 타르, 목재
72 × 60 ½ × 3 ¼ 인치
182.9 × 153.7 × 8.3 cm

티에스터 게이츠

미국 작가 티에스터 게이츠는 물질과 문화의 보존을 다루는 작품을 만든다. 특히 그 보존이 과거와 현재 힘의 균형과 어떤 관계가 있는지 다룬다. 제트 (Jet)와 에보니 (Ebony) 잡지와 같은 문서들을 다시 활성화 시키는 것 부터 시카고 사우스사이드 지역의 건물을 복구하여 다른 용도로 바꾸는 활동을 하면서 게이츠는 도자기, 회화, 조각, 설치, 음악, 공연 등의 작품 활동을 해왔다. 그의 작품은 다양한 출처와 서사를 바탕으로 종종 무시되거나 왜곡된 아프리카계 미국인의 문화적, 사회적 역사를 보존하며 사려깊게 검토한다. 

건축업자이자 지붕수리자로 일하는 아버지를 둔 게이츠에게 고무와 타르는 아주 익숙한 재료들이다. 그는 이러한 재료들을 사용하여 개인적, 정치적 의미를 불러내는 작품활동을 했다. 타르에 관해 “금속과는 달리 타르는 나에게 더 인간적으로 다가온다. 그것은 가까이 있는 다른 물질도 사로잡는다. 너무 더우면 땀이 나고 너무 추우면 벗겨지고 부서진다. 매우 변덕스럽고, 감정적이며 예측할수 없다” 라고 그는 말하였다. 

도자기는 항상 게이츠의 예술적 작업과 발전의 중심이었다. 그의 꽃병, 찻잔, 간단한 컵 등의 그릇은 기능, 상징, 의례, 영성이 만나는 곳에서 존재하며 관람자들로 하여금 서로 모이고, 참여하고, 돌이켜 보도록 초청하는 깊은 의미를 지닌 생산적인 오브제이다.  

데이비드 호크니 (1937년생)
전람회의 그림, 2018
8장의 종이에 인쇄된 사진 드로잉을 8장의 디본드에 붙임
8 피트 11 ½ 인치 × 28 피트 8 인치 (2.7 × 8.7 m)
12개 에디션 중 10번

데이비드 호크니 (1937년생)
전람회의 그림, 2018
8장의 종이에 인쇄된 사진 드로잉을 8장의 디본드에 붙임
8 피트 11 ½ 인치 × 28 피트 8 인치 (2.7 × 8.7 m)
12개 에디션 중 10번

데이비드 호크니 사진 드로잉

영국 작가 데이비드 호크니의 작품은 20세기에 가장 잘 알아볼 수 있고 영향력있는 작품이다. 

호크니는 끊임없이 새로운 기술을 사용하며 그중에 특히 대중적인 용도와 접근성을 염두에 두고 개발된 도구를 작업에 도입해왔다. 가장 최근에 3D 사진술과 모델링 소프트웨어를 이용하여 만든 ‘사진 드로잉’은 사진과 회화를 결합하여 두 매체의 공동 발전에 기여하였다. 

이러한 사진 드로잉을 위해 호크니와 그의 작업실 조수들은 의자나 작업실 트롤리, 이젤, 작품, 사람 등 하나의 대상을 두고 최대한 많은 각도에서 수백 장의 사진을 찍는다.  호크니는 그 사진들을 함께 꿰매어 만든 입체적 모델들을 다시 조작하여, 실제하지 않는 가공된 시각적 공간에 두는 작업을 한다. 그는 이러한 기법으로 다양한 관점을 통하여 종합적으로 사물을 보는 인간의 변화무쌍한 경험을 재현하기 위해 노력해왔다. 그의 사진 드로잉은 전통적인 직선 원근법을 뒤집고, 작가의 로스앤젤레스 작업실을 시간과 공간의 파노라마와 같은 느낌으로 보여준다.

데이비드 호크니 (1937년생)
유리잔, 2009
종이에 인쇄된 아이폰 드로잉
37 × 25 ½ 인치
94 × 64.8 cm
25개 에디션 중 24번

데이비드 호크니 (1937년생)
유리잔, 2009
종이에 인쇄된 아이폰 드로잉
37 × 25 ½ 인치
94 × 64.8 cm
25개 에디션 중 24번

데이비드 호크니 아이패드/아이폰 드로잉

영국 작가 데이비드 호크니의 작품은 20세기에 가장 잘 알아볼 수 있고 영향력있는 작품이다. 

호크니는 끊임없이 새로운 기술을 사용하며 그중에 특히 대중적인 용도와 접근성을 염두에 두고 개발된 도구를 작업에 도입해왔다. 폴라로이드 사진, 복사기, 팩스기, 매킨토시 컴퓨터, 포토샵을 일찍 사용했고, 최근에는 아이폰과 아이패드로 터치스크린에 그림 그리는 브러시와 응용 프로그램을 사용하기 시작했다. 현재 전시된 작품들은 친밀하고 즉흥적인 일상을 아이폰이나 아이패드로 그린 초기 시리즈의 작품이다. 

 

한스 호프만 (1880–1966)
무제 (풍경화), 1942 
보드에 유화
30 × 35 인치
76.2 × 88.9 cm

한스 호프만 (1880–1966)
무제 (풍경화), 1942 
보드에 유화
30 × 35 인치
76.2 × 88.9 cm

호프만

독일에서 태어나 20세기 초 파리 미술계에 푹 빠진 한스 호프만은 1932년 미국으로 영구 이민을 갔다. 작품 활동도 하면서 동시에 존경 받는 예술강사 이었고, 한 때 미국 젊은 추상표현주의자 세대를 위한 유명한 멘토였었다. 이로 인해 호프만은 20세기 유럽과 미국의 아방가르드 사이에 필수적인 미적 가교 역할을 하였다.

이 작품은 작가가 유럽 모더니즘 전통을 거쳐서 구상화에서 완전한 추상화로 전환하는, 예술적으로 중요한 시기의 출발점에 만들어진 것이다. 40년 대 그의 풍경화 중 어떤 것은 색상의 모양과 형태가 맞물려서 세잔이나 입체파의 영향을 받은 것처럼 보이지만, 이 작품은 그의 활기찬 40년대 초반 무제 풍경화를 보여주는 대표적인 예이다. 큐레이터 마르셀 폴레드닉 (Marcelle Polednik)이 말했듯이, 이러한 새로운 풍경화는 주로 “쏟아지는 색과 붓놀림으로 그림을 압도” 한다. 또한 1942년도에 그린 이 작품은 화가가 그 당시에 추구했던 방향을 나타낸다. 더 느슨하고, 동작을 더 사용하고 더 표현적인 구성으로 색과 형태를 “밀고 당기는” 상호 의존성에 대한 작가의 고집을 잘 표현했다. 

알렉스 카츠 (1927년생)
붓꽃 2, 2019
린넨에 유화
48 × 66 인치
121.9 × 167.6 cm

알렉스 카츠 (1927년생)
붓꽃 2, 2019
린넨에 유화
48 × 66 인치
121.9 × 167.6 cm

카츠

미국 작가 알렉스 카츠는 지난 60년 동안 평평한 표면과 한결같이 절제된 선으로 특유의 초상화와 시적인 풍경화를 만들며 탁월한 현대 생활 화가로 자리매김을 해왔다. 

놀라운 초상화가 가장 많이 알려졌으나 카츠의 꽃 그림이나 풍경화도 오랫동안 작가의 작품활동에서 중요한 역할을 했고 꽃과 풍경이 사람과 같은 존재감을 뿜어내기도 한다. 그는 이 두 장르에서  빛, 색, 공간을 능숙하게 다루어 자신에게 특정한 순간에 보이는 대로 모델이나 풍경을 묘사한다. 

추상화와 구상화를 결합하여 만든 이 작품들은 비평가 캘빈 톰킨스 (Calvin Tomkins)가 말했듯이 “우리로 하여금 가장 필수적인 것들만 남겨두고 모두 잘라버린 카츠의 관점으로 세상을 명확하고 가깝게 보도록 한다”.

파블로 피카소 (1881–1973)
남자의 얼굴과 앉아있은 누드, 1964 캔버스에 유화 
17 ⅞ × 21 ⅝ 인치
45.7 × 55 cm

파블로 피카소 (1881–1973)
남자의 얼굴과 앉아있은 누드, 1964 캔버스에 유화 
17 ⅞ × 21 ⅝ 인치
45.7 × 55 cm

피카소

누구와도 비교할 수 없는 스페인 작가 피카소는, 에두아르 마네의 풀밭 위의 점심 식사(1862-1863) 등과 같은 표준 미술사료를 이용한 작업에 거의 10년 동안 헌신한 이후, 화가와 모델이 있는 원래의 작업실 현장에 다시 집중하기 시작하면서 특별히 다작하는 시기를 보냈다. 피카소는 1963년에 처음 화가와 모델 시리즈를 시작으로 해서 1964년 말부터는 장승 (totem)과 같이 얼굴만 보이는 남자 화가가, 앉아 있는 왜소한 여자의 나체를 응시하는 특정한 구성의 작품을 만들기 시작했다. 두 인물 사이의 복잡한 관계를 절제된 강력한 몸짓의 선들로 간결하게 담아내었다. 1964년 12월 3일 무쟁 (Mougins)에서 완성된 ‘남자의 얼굴과 앉아있는 누드’ (Tête d'homme et nu assis)는 이 시리즈의 뛰어난 예이다. 이것은 듬성듬성하면서 매우 양식화된 형태를 통해 구상과 추상 사이의 긴장감과 실재 인식되는 세상과 회화 등 표현 방법이 그것을 중재할때 나타나는 긴장감을 끌어낸다.

하우메 플렌자 (1955년생)
푸른 숲 (마리아), 2019
브론즈
78 ¼ × 39 ¾ × 43 ¼ 인치
199 × 101 × 110 cm
5개 에디션 중 2번

하우메 플렌자 (1955년생)
푸른 숲 (마리아), 2019
브론즈
78 ¼ × 39 ¾ × 43 ¼ 인치
199 × 101 × 110 cm
5개 에디션 중 2번

플렌자 

보편적 상징으로서의 사람의 형상에 사로잡힌 스페인 작가 하우메 플렌자는 직관적인 수준까지 관람자들과 공감하기를 추구했다. 그는 초상화로 종종 눈을 감고 앉아 있는 모델을 묘사했다. 이것은 꿈을 꾸거나 내면을 들여다 보는 것을 묘사한 것인데 다른 장르에서도 종종 이런 모습들을 탐구했다. 작가의 조형물에 담긴 고요함은 그 작품을 초월하며 관람객을 일상 생활의 산만함과 시끄러운 소리에서 떠나 잠시 멈추어 내면을 조용히 들여다 보도록 한다.

플렌자는 정교한 분위기, 심리적 부담, 상징적 풍성함을 가진 다면적인 작품을 평생 만들어 왔다. 시카고, 샌디에이고, 몬트리올, 런던, 파리, 두바이, 상하이, 도쿄, 서울 등 세계 곳곳 도시에 35개 이상의 기념비적 조각품과 공공 설치물을 세웠고 그 작품의 재료와 형태도 다양하다. 고요함의 개념, 자기 성찰에 대한 고집, 사람의 형상에 초점 맞추는 것으로 통합된 그의 작품들은 존재의 근본적인 현실에 대해 묵상한다.

레온 포크 스미스 (1906–1996)
콘스텔 (Constel): 파랑 빨강 타원 3개를 관통하는 직선, 1969
캔버스에 페인트
121 × 132 인치
307.3 × 353.3 cm

레온 포크 스미스 (1906–1996)
콘스텔 (Constel): 파랑 빨강 타원 3개를 관통하는 직선, 1969
캔버스에 페인트
121 × 132 인치
307.3 × 353.3 cm

레온 포크 스미스

레온 포크 스미스는 단순화된 모양과 밝은 색, 극소로 압축된 구도에 평생을 헌신한 미국 작가인데, 하드에지 페인팅 (hard-edge painting)과 미니멀리즘의 전성기 이전부터 시작해서 영향을 미치고 전성기가 지나도록 그것에 전념하였다. 그는 피에트 몬드리안, 콘스탄틴 브랑쿠시, 한스 아르프의 작품들을 본 경험이 그의 예술적 발전에 중요한 역할을 하였다고 후에 말했다. 

스미스는 명확한 윤곽선을 지닌 그림에서 몬드리안의 격자무늬 기하학을 시각적인 긴장감과 억제를 강조하는 곡선적 구성으로 만들어 나갔다. 스미스는 1967년에 자신의 가장 잘 알려진 별자리 (Constellations) 연작의 첫 작품을 만들었다. 다양한 모양의 패널들을 모아서 만든 이 작품들은 켄버스의 경계를 훨씬 넘어 주변 공간까지 활용하는 광활한 작품이다.  

McArthur Binion
DNA:Study, 2022
Ink, oil paint stick and paper on board
79 3/4 × 60 × 2 1/8 inches (202.6 × 152.4 × 5.4 cm)

McArthur Binion
DNA:Study, 2022
Ink, oil paint stick and paper on board
79 3/4 × 60 × 2 1/8 inches (202.6 × 152.4 × 5.4 cm)

McArthur Binion

McArthur Binion is an American artist who reframes the language of Minimalism to convey a deeply personal approach to abstraction. The works presented here are from Binion’s DNA series. In this series, a grid of interlacing lines drawn in oil stick form the top layer of his compositions. The network of repeating lines both obscures and reveals the layer of personal ephemera underneath. Photocopies of his birth certificate and passport, excerpts from his address books, and images from his home state of Mississippi are among the materials he uses to disseminate the intimate details of his personal history. 

Refusing categorization while relating to abstraction, Minimalism, and monochromatic painting, Binion's practice is rooted in an individual dedication to the process of painting. His compositions are an index of time, labor, and identity.

 

Jim Dine
Those Are Yellow Gloves, 2013
Oil enamel and stain on wood and steel stool
79 × 49 × 26 inches
200.7 × 124.5 × 66 cm

Jim Dine
Those Are Yellow Gloves, 2013
Oil enamel and stain on wood and steel stool
79 × 49 × 26 inches
200.7 × 124.5 × 66 cm

Jim Dine

Jim Dine is an American artist who first rose to prominence in the late-1950s New York scene. He played a key role in creating some of the first “Happenings'' and thereafter was closely associated with the Pop Art movement. An innovator throughout his long career, Dine’s vast output includes paintings, assemblages, sculptures, drawings, prints, and over twelve books of poetry. Dine became well known for his use of iconic imagery, such as Pinocchio. At once innocent and agreeable, with Dine’s hand the subject becomes complex, sometimes threatening and deeply personal, embodying the artist’s interests in poetry, expressionism, and transformation. In 2010, Dine rededicated himself to the process of painting, stripping away the familiar forms to create a body of work that celebrates abstraction. 

Jean Dubuffet
Le Pain de la terre, 1953
Oil on canvas
28 3/4 × 36 1/4 inches
73 × 92.1 cm

Jean Dubuffet
Le Pain de la terre, 1953
Oil on canvas
28 3/4 × 36 1/4 inches
73 × 92.1 cm

Jean Dubuffet

The French artist Jean Dubuffet is celebrated for his embrace of “anti-cultural” aesthetics and intensive innovations of new painterly media. Done in April 1953 and reworked in 1958, the present canvas belongs to the Pâtes battues series that Dubuffet executed between March and December 1953. After his 1940s Hautes Pâtes and 1952 landscapes – in which he experimented with the effects produced by different viscosities of paint and other substances – Dubuffet developed his "pâte battue" or "beaten paste" technique. To create these works, Dubuffet made an oil and powdered pigment paste and spread it with a palette knife over still-wet layers of brightly painted colors, which peek through and tint the paste. He then incised graffiti into the “doughy” top layer. He often returned to these compositions later, using a large flat brush to paint over them with golden hues. As the artist put it, this final step would “endow the objects with rich and living textures” and “plunge them into subtle plays of transparent shadows.”

Sam Francis
Untitled (Self Portrait), 1976
Acrylic on paper
32 1/4 × 22 7/8 inches
81.9 × 58.1 cm

Sam Francis
Untitled (Self Portrait), 1976
Acrylic on paper
32 1/4 × 22 7/8 inches
81.9 × 58.1 cm

Sam Francis

One of the foremost Abstract Expressionists, Sam Francis is renowned for his exquisite interpretations of color and light. The 1970s were a particularly productive period for Francis. Critic Richard Speer even argues that it was the artist’s “most spectacularly innovative decade, a period of pictorial and conceptual ideas in dynamic flux as the artist configured, deconstructed, and reconstructed color, form, and space in muscular expansions and contractions." During this prolific time, Francis began a series of self-portraits influenced by his recent experiences with Jungian analysis and his newfound dedication to the examination of the unconscious in art. The present such work, painted in Los Angeles, is an abstract self-portrait which features the vibrant colors and animated use of paint that art historian William C. Agee suggests were a direct result of the artist's Jungian therapy. As Francis once noted, "Color is a kind of holy substance for me… Color in a way is a receptacle for a feeling…”

Theaster Gates
Highway with Mountain, 2019
Rubber, tar and wood
72 × 60 1⁄2 × 3 1⁄4 inches
182.9 × 153.7 × 8.3 cm

Theaster Gates
Highway with Mountain, 2019
Rubber, tar and wood
72 × 60 1⁄2 × 3 1⁄4 inches
182.9 × 153.7 × 8.3 cm

Theaster Gates

The work of American artist Theaster Gates is deeply engaged in material and cultural preservation, especially as it relates to historical and contemporary power dynamics. From reactivating archives, such as those of the magazines Jet and Ebony, to recovering and repurposing buildings on Chicago's South Side, Gates's practice also includes work in ceramics, painting, sculpture, installation, music, and performance. Drawing from diverse sources and narratives, he produces work that invokes the preservation and thoughtful examination of oft-neglected or distorted African American cultural and social histories.

His father being a builder and roofer by trade, Gates is deeply familiar with the materials rubber and tar, and he uses them across his practice to evoke both personal and political significance. He has said of the substance, "Tar, unlike metal, feels more human to me. It catches other materials in its proximity. If it's too hot, it sweats. If it's too cold, it becomes frigid and it chips off and breaks. It is extremely volatile, emotional, and unpredictable.”

Ceramics have always been central to Gates's practice and his development as an artist. Whether throwing a vase, tea bowl, or simple cup, Gates's vessels exist somewhere at the intersection of the functional, symbolic, ritual, and spiritual. Generative objects of profound significance, they invite viewers to gather, engage, and reflect.

David Hockney
Pictures at an Exhibition, 2018
Photographic drawing printed on 8 sheets of paper,
mounted on 8 sheets of Dibond
8 feet 11 1⁄2
(Installation view from David Hockney: Time and More, Space and More, GRAY Chicago, 2018)

David Hockney
Pictures at an Exhibition, 2018
Photographic drawing printed on 8 sheets of paper,
mounted on 8 sheets of Dibond
8 feet 11 1⁄2
(Installation view from David Hockney: Time and More, Space and More, GRAY Chicago, 2018)

David Hockney: Photo-drawings

British artist David Hockney has produced some of the most vividly recognizable and influential works of the twentieth century. Throughout his career, Hockney has embraced new technologies in his practice, especially those developed with mass-use and accessibility in mind. Most recently, he has turned to three-dimensional photography and modeling software to combine and advance both photography and painting in his photographic drawings.

For these photographic drawings, Hockney and his studio assistants take hundreds of photographs of single objects – chairs, studio trolleys, easels, artworks, and people – from every possible angle, and then stitch these photographs together to create three-dimensional models that can be manipulated and placed within impossible, constructed visual spaces. In these works, Hockney strives to replicate the kaleidoscopic experience of seeing through a composite of vantage points. Subverting traditional linear perspective, his photographic drawings offer a panoramic sense of time and space in their portrayal of the artist's Los Angeles studio. 

David Hockney
Double Portrait, 2011
iPad drawing printed on paper
37 × 28 inches
94 × 71.1 cm
Edition 24 of 25

David Hockney
Double Portrait, 2011
iPad drawing printed on paper
37 × 28 inches
94 × 71.1 cm
Edition 24 of 25

David Hockney: iPad and iPhone Drawings

British artist David Hockney has produced some of the most vividly recognizable and influential works of the twentieth century. Throughout his career, Hockney has embraced new technologies in his practice, especially those developed with mass-use and accessibility in mind. He adopted the Polaroid, Xerox, fax machine, Macintosh computer, and Photoshop early on, and more recently began using the iPhone and iPad, utilizing Brushes and other applications developed for drawing on touchscreens. The present such works are from an early series of intimate and impromptu iPhone and iPad drawings of the everyday.

Hans Hofmann
Untitled (Landscape), 1942
Oil on board
30 × 35 inches
76.2 × 88.9 cm

Hans Hofmann
Untitled (Landscape), 1942
Oil on board
30 × 35 inches
76.2 × 88.9 cm

Hans Hofmann

Born in Germany and having spent a number of years immersed in the early twentieth-century Parisian art scene, Hans Hofmann permanently immigrated to the United States in 1932. In tandem with his own practice, Hofmann was also a revered arts instructor and became a noted mentor to a younger generation of Abstract Expressionists once in America. As such, the artist served as an integral aesthetic bridge between the European and American avant-gardes of the twentieth century.

The present painting is from the start of a seminal period in Hofmann’s own artistic development, as he worked through his European Modernist heritage and began the transition from representation into full-fledged abstraction. While some of the artist’s 1940s landscapes appear more Cézannesque or Cubist, defined as they are by interlocking shapes and planes of color, the present composition is a prime example of his vibrant early 1940s untitled landscapes. As curator Marcelle Polednik put it, these new landscapes are largely defined by “torrents of color and brushstroke [that] overwhelm the surface.” The present 1942 painting is also representative of the direction in which the artist was headed, with a looser, more gestural and expressive composition that still does well to articulate Hofmann’s insistence on the “push and pull” interdependence of color and form.

Alex Katz
Vivien in White Coat 1, 2020
Oil on linen
60 × 48 inches
152.4 × 121.9 cm

Alex Katz
Vivien in White Coat 1, 2020
Oil on linen
60 × 48 inches
152.4 × 121.9 cm

Alex Katz

Over the past six decades, American artist Alex Katz has established himself as a preeminent painter of modern life, whose distinctive portraits and lyrical landscapes bear a flattened surface and consistent economy of line. Perhaps best known for his striking portraits, flowers and landscapes have also long played a significant role in Katz's practice and often exude a character-like presence themselves. In both genres, he employs his masterful handling of light, color, and space to depict his sitters and landscapes as they appear to him at a specific moment in time. Combining aspects of both abstraction and representation, these paintings, as critic Calvin Tomkins puts it, "make us see the world the way Katz sees it, clear and up close, with all but the most essential details pared away.”

Pablo Picasso
Tête d'homme et nu assis, 1964
Oil on canvas
17 7/8 × 21 5/8 inches
45.7 × 55 cm

Pablo Picasso
Tête d'homme et nu assis, 1964
Oil on canvas
17 7/8 × 21 5/8 inches
45.7 × 55 cm

Pablo Picasso

After devoting nearly a decade to working from canonical art historical sources, such as Édouard Manet’s 1862-63 Le Déjeuner sur l’herbe, the incomparable Spanish artist Pablo Picasso underwent a particularly prolific period as he began to focus his attention back to the originating scene – the artist and model in the studio. Picasso first began his The Artist and Model series in 1963 and by late 1964 he had started to work with this specific composition of the male artist, represented by only a totem-like head, with his gaze set upon the seated, diminutive female nude – their complex relationship distilled to an economy of powerful gestural marks. Done in Mougins on December 3, 1964, Tête d'homme et nu assis is a striking example from this series, incorporating sparse and highly stylized figuration that draws out the tensions between the figurative and the abstract, and between how the world is perceived versus how painting and other modes of representation mediate that perception.

Jaume Plensa
Green Forest (Maria), 2019
Bronze
78 1⁄4 × 39 3⁄4 × 43 1⁄4 inches
199 × 101 × 110 cm
Edition 2 of 5

Jaume Plensa
Green Forest (Maria), 2019
Bronze
78 1⁄4 × 39 3⁄4 × 43 1⁄4 inches
199 × 101 × 110 cm
Edition 2 of 5

Jaume Plensa

Captivated by the human figure as a universal symbol, Spanish artist Jaume Plensa seeks to connect with his viewers on an intuitive level. His portraits often depict the sitters with their eyes closed, in a state of dreaming and inner reflection – a gesture Plensa explores across his practice. This serenity transcends the sculpture and prompts its audience to similarly pause from the distraction and din of everyday life to quietly look within.

Throughout his career, Plensa has produced a multifaceted body of work of intricate energy, psychological weight, and symbolic richness. With over thirty-five monumental sculptures and public installations spanning the globe in such cities as Chicago, San Diego, Montréal, London, Paris, Dubai, Shanghai, Tokyo, and Seoul, Plensa's practice is diverse in material and form. Unified by notions of quietude, an insistence on introspection, and a focus on the human figure, Plensa's works meditate on the fundamental realities of existence.

Leon Polk Smith (1906–1996)
Constel: Blue Red straight line thru three Ovals, 1969
Paint on canvas
67 × 39 inches (170.2 × 99.1 cm) each;
121 × 132 inches (307.3 × 353.3 cm) installed

Leon Polk Smith (1906–1996)
Constel: Blue Red straight line thru three Ovals, 1969
Paint on canvas
67 × 39 inches (170.2 × 99.1 cm) each;
121 × 132 inches (307.3 × 353.3 cm) installed

Leon Polk Smith

Leon Polk Smith was an American painter heralded for his lifelong commitment to simplified shapes, brilliant colors, and minimal, pressurized compositions – a commitment that predated, influenced, and outlasted the heydays of Hard-edge painting and Minimalism. He later attributed his encounters with works by Piet Mondrian, Constantin Brancusi, and Hans Arp as formative in his artistic development.

In his hard-edged paintings, Smith sought to push the gridded geometry of Mondrian into curved compositions that celebrated optical tension and restraint. In 1967, Smith produced the first of his Constellations – the body of work for which he is best known. In these works, he combines clusters of multiple shaped panels to create expansive paintings that reach far beyond the boundaries of the canvas, incorporating the surrounding space.